La leggenda di Paganini a Grosseto

La leggenda Paganini sul palcoscenico del Centro Militare Veterinario di Grosseto

Secondo appuntamento musicale per La Voce di ogni Strumento, la rassegna diretta da Gloria Mazzi, che torna domenica 18 novembre alle ore 17.30al Centro Militare Veterinario a Grosseto con La leggenda Paganini.

Il violinista Davide Alogna, il chitarrista Giulio Tampalini e l’attore Paolo Sassanelli faranno rivivere la “leggenda Paganini” sul palcoscenico del Ce.Mi.Vet. attraverso uno spettacolo in cui la musica si intreccerà alla narrazione dell’intensa vita del celebre compositore e violinista Niccolò Paganini. I grandi capolavori del compositore genovese, i Capricci per violino solo, la Sonata Concertata per violino e chitarra, Ghiribizzi e le Variazioni sul Carnevale di Venezia per chitarra, il celebre Cantabile in Re maggiore, la prima Sonata per violino e chitarra dal “Centone” e il guizzo inconfondibile della “Campanella”, si alterneranno nell’interpretazione di Alogna e Tampalini, alla voce recitante di Paolo Sassanelli, che firma anche la regia dello spettacolo, su testi di Biancamaria Melasecchi e Filippo Michelangeli.

Proprio a Filippo Michelangeli, giornalista, editore, a sua volta musicista, si deve l’idea della leggenda Paganini. Protagonista di una biografia umana e artistica densa di eventi speciali, personalità eclettica ed eccentrica, Niccolò Paganini non ha faticato a divenire una leggenda vivente già per il suo tempo. Idolo delle folle, amatissimo dalle donne, acclamato per le sue straordinarie abilità strumentali, il violinista è una sorta di pop star la cui ascesa nel mondo musicale a lui coevo è fulminea e abbagliante per tutti coloro che entrano in contatto con la sua figura talentuosa e carismatica. La leggenda Paganini racconta proprio questa storia e lo fa attraverso un canovaccio in cui le parole sono strettamente connesse alle splendide composizioni di Paganini.

Filippo Michelangeli così descrive l’ideazione e la realizzazione de La leggenda Paganini: “Una storia così romantica ha abbastanza elementi per prestarsi ad essere messa in scena e così ho trovato una persona bravissima che ha scritto un copione a 6 mani con me e Sassanelli, Bianca Melasecchi, che, documentandosi, è riuscita a cogliere un aspetto spettacolare e poetico per poter intrattenere il pubblico. Il pezzo teatrale interseca il racconto musicale attraverso l’ottimo attore Paolo Sassanelli. Mi emoziona molto vedere il pubblico finale che si avvicina conoscendo della spettacolare storia di Paganini quello che conoscono i musicisti, praticamente niente. Noi musicisti colti abbiamo sempre snobbato Paganini, ritenendolo un compositore minore. Ha scritto fondamentalmente solo per violino, per chitarra, non ha scritto per pianoforte. È impressionante vedere come dopo poche scene dello spettacolo il pubblico si emozioni e si appassioni all’uomo Paganini e all’impareggiabile virtuoso e compositore. È uno spettacolo facilissimo da vedere e infatti sta avendo molto successo.”

A rendere giustizia alla musica di Paganini e a evocarne la presenza in scena sono due grandi virtuosi dei rispettivi strumenti. Il violinista Davide Alogna si esibisce regolarmente da solista nelle più importanti sale da concerto di tutto il mondo e suona da solista con prestigiose orchestre.

Premiato in diversi concorsi nazionali e internazionali, ha registrato diversi cd da solista. Il chitarrista Giulio Tampalini è oggi uno dei più conosciuti e carismatici chitarristi classici europei. Vincitore del Premio delle Arti e della Cultura nel 2014, oltre 25 dischi solistici all’attivo, si è imposto in alcuni dei maggiori concorsi di chitarra. Tiene concerti sia da solista che accompagnato da orchestre sinfoniche in tutto il mondo. Tra i numerosi dischi che ha pubblicato, moti hanno ottenuto consensi unanimi e premi della critica. L’attore Paolo Sassanelli non ha bisogno di presentazioni, con la sua lunga e felice carriera teatrale, televisiva e cinematografica che lo ha visto protagonista di numerose produzioni.

La leggenda Paganini è un altro evento del festival La Voce di ogni Strumento selezionato dalla direzione artistica di Gloria Mazzi e realizzato con il patrocinio e la collaborazione del Ministero della Difesa, la Provincia di Grosseto, il Comune di Grosseto, la Proloco di Grosseto, il Savoia Cavalleria, il Centro Militare Veterinario, il 4°Stormo Caccia Intercettori, il Lions Club Grosseto Aldobrandeschi, il Pasfa, Soroptimist, AscomConfConfcommercio, la Camera di Commercio Maremma e Tirreno, la Fondazione Grosseto Cultura e Agimus.

Ingresso a offerta liberail cui ricavato sarà in parte devoluto alle associazioni AISM, AVIS, ADMO, La Farfalla e AIPAMM.

Prenotazione obbligatoria: on line www.lavocediognistrumento.it

mob: 339 7960148

e-mail: lavocediognistrumento@gmail.com

 Ufficio stampa

Madia Mauro

 

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HORNY Crostatina Stand up vol.II di Antonio Ornano

Sabato 17 novembre il Teatro Sociale di Camogli ospiterà Hornyl’ideale prosecuzione di Crostatina Stand Up, un monologo da stand up comedian dal ritmo incalzante e senza orpelli scenografici o travestimenti di e con Antonio Ornano.

Chi è Horny? Horny è il soprannome di Antonio Ornano, un uomo adulto che ancora deve capire cosa si aspetta dalla vita. Horny è la cronaca spietata delle sue fragilità come marito e come padre. Un inno all’incompiutezza emotiva e sentimentale del maschio “adulto”, un’ode all’imperfezione che in chiave comica si propone di squarciare l’ipocrisia di una società che ci vorrebbe sempre infallibili e di successo.

Ed è così che prenderanno voce molti pensieri intimi e alle volte inconfessabili. L’importanza del rock e di Bruce Springsteen nel complesso processo di crescita e formazione del protagonista, le sue prime pulsioni sessuali, il ruolo salvifico delle piccole menzogne intuitive e riflessive nel rapporto con la moglie Crostatina, il sesso matrimoniale dopo l’avvento dei figli, i viaggi in traghetto con tutta la famiglia, le proiezioni erotiche sulle mamme dell’asilo e molte altre . Ma si proverà anche a riflettere su come ci vediamo proiettati nella terza età e su come un immaginario collettivo inzuppato di luoghi comuni spesso condizioni il nostro approccio all’ omosessualità, e in generale a tutto quello che erroneamente reputiamo diverso ma che semplicemente abbiamo paura di conoscere.

Teatro Sociale Camogli

Piazza Giacomo Matteotti, 5

Info e prenotazioni: tel. 01851770529- emailbiglietteria@teatrosocialecamogli.it

www.teatrosocialecamogli.it

Ufficio stampa

Madia Mauro

Fuori! Tre domande a Daniele Gattano

Venerdì 26 Ottobre, al Teatro Filodrammatici di Milano, alle 19.30 in apertura della kermesse Festival Lecite/Visioni, andrà in scena “FUORI”, stand-up comedy di e con Daniele Gattano, che ricorderete sicuramente tra gli artisti di Colorado su Italia1 e Comedy Central su SKY.

“FUORI” è un insieme di esperienze, traumi, scoperte che, con linguaggio schietto, Daniele racconta allo spettatore. «Esattamente dieci anni fa ho fatto coming out con i miei genitori e col senno di poi è bello ripensare alle loro reazioni», ci racconta. nel suo spettacolo  si parte dall’esperienza personale per abbracciare quella di tutti, giocando sui punti in comune e sulle differenze culturali che ci sono nel rapporto tra persone.

“FUORI”  è il tema pulsante dello spettacolo, uno sfogo dove la risata non è l’obiettivo principale ma il mezzo per parlare di temi e esperienze comuni. Daniele quando parla non si scompone e il suo punto di vista diventa subito quello di molti, il tragico evolve in comico e l’ironia si fa pungente.

“Fuori” parla di te, della tua storia familiare e personale. Come mai hai deciso di raccontarti e di metterti a nudo davanti al pubblico?

Non potendo permettermi lo psicologo ho pensato a un modo più proficuo per rielaborare i miei vari traumi. Al posto del lettino c’è un palco. Non spendo ma guadagno. E poi vuoi mettere la soddisfazione di avere in mezzo al pubblico proprio chi è stato la causa dei tuoi mali?

L’ironia quanto è importante nella tua vita oltre che nel tuo lavoro?

Quando mi succede qualcosa di negativo di getto telefono a qualche mio amico e nel riferirgli la cosa lo sento ridere, mi rendo conto che senza volerlo già la sto raccontando in chiave comica, di fatto smorzandola. Serve tantissimo, anche su episodi gravi. L’ironia non deve discriminare niente e nessuno.

Desideri, progetti, piani per il futuro?

Desideri tanti! Vorrei girare un documentario su Giuni Russo, imparare a fare le torte quelle belle, tornare in palestra e vederne i risultati, andare in Perù, girare un film con Xavier Dolan e riuscire ad addormentarmi prima delle 3 di notte. Se riuscissi a fare almeno una di queste cose entro la fine dell’anno sarei già soddisfatto!

Eduardo e Mehret

Essere parte di un sistema

L’immigrazione non è solo una questione sociale o politica, è prima di tutto una questione morale. A volte si associa questa parola a un’altra: discriminazione. È facile cadere in banali ed estreme considerazioni quando si parla di temi dal respiro così ampio e senza tempo. Il cuore di quello che viene percepito come problema quando si parla di immigrazione è composto da una stratificazione di paure. La paura trova il terreno più fertile quando regna il caos, anche nell’informazione, perché il caos annebbia la visione del futuro, anzi soffoca qualsiasi fiducia verso il futuro. Credo che oggi manchi la fiducia nel domani, la presenza di un messaggio di speranza a cui aggrapparsi, per continuare a credere anche nei periodi senza luce. La crisi, qualsiasi tipo di crisi, a qualunque livello si manifesti, personale, professionale, relazionale, sociale, può essere superata se si riesce a guardare oltre, a gettare lo sguardo dove tutto è più calmo e a respirare, di nuovo, senza affanno. Le persone che riescono a infondere un senso di speranza, sono luci nell’universo, che illuminano il cammino anche a coloro che gravitano intorno a loro. Io ho avuto la fortuna di incontrare alcuni anni fa una di queste persone, a Roma, la città dove vive da quarant’anni, da quando ha lasciato il suo paese d’origine, l’Eritrea. Lei si chiama Mehret Tewolde, libero professionista e Coach.

“Io e Roma, abbiamo compiuto il nostro primo quarantennio insieme: non mi sono ancora integrata, non ne ho mai avuto il bisogno. Nessuno mi ha mai chiesto di integrarmi e nemmeno di scegliere tra le mie due culture. Al contrario, sono stata accompagnata nella ricerca e nella crescita della donna che sarei voluta essere e che spero di essere diventata. Oggi da Coach ho capito che, ciò che ha funzionato nel mio caso, è stato l’approccio sistemico. L’integrazione è l’inserimento di un individuo in un nuovo sistema: anche un bambino di tre anni fa l’inserimento al nido, inteso come integrazione, così come il nuovo dipendente di un’azienda. Il processo che mi ha permesso di fare parte del sistema nel quale vivo e contribuire alla sua crescita si è sviluppato su dimensioni diverse, ma con una costante comune: la lettera R. La prima R è riconoscere, vedere, interagire con l’altro come essere e non come numero o fenomeno. Non c’è niente di più svilente per un individuo che essere ridotto a numero. Il riconoscimento reciproco è la base per costruire una relazione e una sana inclusione. Ho avuto la fortuna di incontrare persone che mi hanno vista prima che io stessa mi vedessi e riconoscessi. Ma, per costruire una relazione equilibrata e duratura, è necessario attivare la seconda R, quella del rispetto: di se stessi, degli altri, delle regole, delle cose proprie e altrui, delle diversità culturali, di genere, di ceto, di religione, di opinione e di ogni altro tipo di diversità. Mi sono sentita rispettata da entrambi i componenti delle mie culture: mi hanno ascoltata, aspettata, hanno messo in discussione il proprio punto di vista e, a volte, loro stessi: da loro ho imparato a rispettare me stessa e pretendere che gli altri mi rispettassero. Mi riferisco a Hiwet, mia madre, e a Eduardo De Filippo, un uomo straordinario che, nel breve periodo che vissi con lui, è stato per me un genitore e un mentore. Eduardo era un uomo di cultura, uno dei più importanti del ‘900, ricco di quell’umanità e di quella semplicità che sono proprie solo dei grandi.  Un ricordo tra tutti è la sua reazione quando alcuni ospiti arrivavano a casa e, sorpresi di vedere lì una donna nera, mia madre, dicevano: «Eduardo, ti sei messo una negra in casa?». Allora lui urlava: «Hiwet è un membro della mia famiglia. Se questo ti crea problemi puoi lasciare subito la mia casa». Che io e mia madre fossimo parte della sua famiglia, Eduardo, lo ha detto da subito: era un suo sentire intimo e autentico. Accadeva quindi che l’ospite, sorpreso, a volte spaventato dalla reazione, chiedesse scusa, e lui replicava: «Le scuse devi porgerle a Hiwet: è a lei che hai mancato di rispetto». Questo sia che l’ospite fosse il primo ministro sia il fattore della casa di campagna. Vedere questo gigante riconoscere me, che ero solo una bambina, e mia madre come esseri umani, e difendere la nostra dignità, mi ha aiutato a comprendere il senso del rispetto verso me stessa e verso gli altri. La terza R è quella della resilienza. Oggi se ne fa un gran parlare e tutti la conosciamo, in maniera più o meno consapevole: è uno sforzo quotidiano che facciamo per adattarci a una realtà che cambia anche senza la nostra volontà. Questo l’ho imparato da Hiwet, che per accompagnare me nell’integrazione in un nuovo paese, per prima ha accettato, non senza fatica, la cultura italiana e mi ha lasciato libera di scegliere il percorso di vita senza interferenze. La flessibilità trasforma la diffidenza in curiosità, e questa spinge l’uomo a spostarsi per crescere, per evolvere: senza il nostro migrare saremmo ancora all’età della pietra. La stessa esplorazione di Marte è una migrazione. L’ultima R è quella delle risorse. Eduardo pretendeva che io coltivassi l’autostima e la determinazione nel perseguire i miei progetti, attingendo parimenti ai miei bagagli culturali, affinché facessi scelte più ecologiche e funzionali. L’esempio più banale sul rispetto delle culture lo prendo dalla tavola: io mangio con le posate il pollo arrosto, non il dorho, il pollo cucinato all’eritrea, ed è raro che i miei ospiti possano usare le posate per consumare un pasto eritreo. Gli elementi culturali di ogni sottosistema con il quale ho agito e interagito mi hanno aiutata a trovare la mia personale via di accesso al sistema generale, nel rispetto dei miei tempi e delle mie modalità. E, in questo modo, ho imparato a superare le apparenze nel rapporto con le persone, a non sospettare delle differenze, a mostrare, non a dimostrare, a non cadere nella trappola dell’autocommiserazione o della contrapposizione noi-loro. Così ho superato i miei conflitti e la linea di confine tra la voce interna e quella esterna si è assottigliata fino a scomparire: la mia identità comprende sia la cultura eritrea sia quella italiana, e ha una valore superiore alle due prese singolarmente. Non è stato facile, niente lo è: il processo a volte è stato doloroso, non solo per me. Ho pianto, tanto. Ma tutta quella sofferenza è stata necessaria alla costruzione della mia maturità e della mia personale via di accesso al sistema. Se penso alle problematiche che affliggono oggi la nostra società, spesso mi scopro a pensare a Eduardo e ai suoi silenziosi, fattivi insegnamenti. Uno ad esempio è la diversificazione dell’approccio in base all’età: lui aveva un’interazione diversa con me e con mia mamma. Eduardo ha fatto in modo che io non considerassi l’Italia e il suo popolo razzista, quando di fronte a un atteggiamento discriminatorio che avevamo subito io e mia madre, mi disse: «Mehret, ti chiedo scusa per il mio popolo». Grazie a lui, ho avuto l’opportunità di sentirmi diversa, ma come tutti, perché siamo tutti diversi, persino i gemelli. Questa consapevolezza mi ha permesso di vedere negli atteggiamenti discriminatori una sfida positiva, uno stimolo a cercare nuove risorse o ad attingere a quelle vecchie: è così che sono diventata la prima donna dirigente della banca del Vaticano, dove, per paradosso, è stato più discriminante essere donna che essere nera. Ho superato il limite del pensiero degli altri, grazie a un sistema adeguato e consapevole che mi aveva preparato in modo appropriato a farne parte e quindi a essere utile alla sua stessa crescita”.

Sulla copertina del numero speciale di aprile 2018 del National Geographic c’è la foto di due gemelle, una nera, l’altra bianca. La razza è un’invenzione sociale, non una realtà biologica. È la paura che ci spinge a rifiutare ciò che è diverso da noi, ma la paura va educata, bisogna allenarsi ad accettare anche le paure più profonde, a guardarle dritto negli occhi, solo allora ci si accorgerà che in realtà ogni paura è frutto della mancanza di conoscenza della situazione, del futuro, dell’altro. Si può educare l’intero sistema al concetto di accettazione e di rispetto. La diversità è un arricchimento, accettarla è un modo per esplorare i propri personali confini e capire fin dove si può continuare ad allargarli, fino a farli scomparire del tutto e raggiungere quel rassicurante senso di infinito che solo poche, rare volte si riesce a percepire nella vita. La diversità è uno strumento che ci permette di uscire dalla zona di comfort, un’opportunità per lavorare su noi stessi e accettare le nostre paure, che l’altro rappresenta in quanto diverso in apparenza da noi. Nessuna vita è più importante di un’altra e, sono convinta, nulla accade senza uno scopo. Nulla. Tutti facciamo parte di un grande disegno che saremo in grado di comprendere solo in futuro: siamo tutti stelle, diamo a noi stessi e agli altri la possibilità di risplendere, riflettendo l’uno la luce dell’altro.    

 

Sul lago nero

In scena uno spazio vuoto, chiuso tra due pareti. Un luogo fisico e al tempo stesso mentale, spazio del ricordo, la casa, unico luogo nel quale è possibile riconoscersi e ricongiungersi con il proprio passato, uno spazio di mezzo, contaminato dagli influssi del esterno: da una parte il lago, dall’altra la cameretta; ma questi non esistono se non come varchi invalicabili, spazi lontani e segreti. Qui, due famiglie si rincontrano dopo quattro anni, forse pronte a confrontarsi con quello che sono, cercando di trovare un senso alla scelta dei propri figli. Da quel giorno, il tempo è congelato e il presente compare e scompare tra ciò che deve accadere e ciò che è già accaduto.

Fritz e Nina hanno 15 anni e scelgono di non assumersi la responsabilità di continuare a vivere, per non essere contaminati scappano da un mondo che “non è bello”; Ciò che resta è il fantasma di due famiglie che non possono fare a meno di scontrarsi con l’assenza e la continua presenza dei loro errori. Quattro persone che non riescono a comprendersi, che cercano, affannandosi un contatto tra loro, che però si manifesta come frattura, un urto violento, distruttivo, l’uno sull’altro.

Alla fine non restano che schegge, macerie, frammenti di vetro per terra appuntiti e aguzzi. Sul Lago nero ci ha portato, a prendere in considerazione a confrontarci con la normalità, con il quotidiano, e con ciò che si cela dietro a esso, un mostro che forse è insito in ognuno di noi e ci appartiene.

Paolo Costantini

Info e prenotazioni

ingresso gratuito con prenotazione obbligatoria presso l’infoline 3341835543

attivo dal 4 ottobre (lun-sab 10-13 e 14-17)

L’eterno movimento di Veronica Ventavoli

Veronica Ventavoli si classificò terza a Sanremo Giovani 2005 con il brano L’IMMAGINARIO. Dopo un periodo di assenza dalla scena musicale, periodo in cui si è dedicata al conseguimento della Laurea in Storia e a esperienze nel campo del giornalismo, è tornata alla musica lo scorso anno con un nuovo singolo intitolato SENZA DI TE. Oggi, a distanza di qualche mese da quella uscita, torna a proporre alle radio un nuovo brano intitolato ETERNO MOVIMENTO, pop dal passo molto radiofonico e caratterizzato da belle sonorità anni ‘90 che mettono in luce la particolare espressività vocale dell’artista. Scritto da A. Ianni, S. Pulvirenti (compositore candidato al David di Donatello 2014) e A. Simeone, produzione Antonio Ianni/A&P Amati, edizioni musicali APbeat.

Veronica ha iniziato a cantare all’età di 15 anni collaborando con diverse agenzie di spettacolo e associazioni musicali, in veste di solista o all’interno di formazioni pop/rock. Ha partecipato a svariati programmi televisivi su reti regionali e nazionali (ospite fissa di “Vivere Meglio” 2003-2004 su Rete4, di cui era anche interprete della sigla) e a concorsi, forte di un’ottima presenza scenica e di una voce potente e molto espressiva. Nel 1997 vince il “Festival Nazionale degli Interpreti”. Nel 2000 diventa la voce degli Ultraviolet, band electro pop con la quale registra un disco con la Warner. Nel 2004, conclusa l’esperienza con gli Ultraviolet, partecipa come solista all’Accademia della Canzone di Sanremo, e vincendola acquisisce il diritto a partecipare al FESTIVAL DI SANREMO 2005 nella categoria Giovani, firmando contemporaneamente un contratto con la Universal. Alla kermesse sanremese presenta il brano L’immaginario, con il quale si classifica al 3° posto. A tale esperienza, nel 2006, ha fatto seguito l’uscita dell’album L’amore è semplice, per Platinum Studio/Universal e la partecipazione a numerose serate musicali organizzate da radio e televisioni tra cui Rai, Mediaset, Video Italia, Odeon TV, RTL 102,5 e Radio Italia Network. Nel 2009 e nel 2010, con la produzione di Antonio Ianni, incide i singoli “Ma l’amore che cos’è?” e “L’amore si deve imparare”, che superano le preselezioni per il Festival di Sanremo senza però riuscire ad accedere alle serate finali. Successivamente si dedica al completamento degli studi universitari e a un Master in Giornalismo, concedendosi di tanto qualche ospitata e qualche concerto col progetto Acusticanto Project Live. Nel 2017 torna alla discografia originale con un nuovo singolo intitolato “Senza di te”.

 

 

Dirty Dancing al Teatro Olimpico

Ieri ha debuttato al Teatro Olimpico di Roma il musical Dirty Dancing, di cui già avevamo annunciato l’arrivo nella Capitale (clicca qui: Dirty Dancing arriva a Roma!)

Lo spettacolo, già campione d’incassi con oltre 115.000 presenze nei primi tre mesi di rappresentazione, conclude a Roma la sua prima tournée italiana ed è già record di presenze.

Sul palco assistiamo alla fedele ricostruzione del film, nato nel 1987 dalla penna di Eleanor Bergstein, che non avrebbe mai immaginato un tale successo. Il racconto di Baby e della sua storia d’amore con il bello e tormentato Johnny, maestro di ballo, nasce durante l’estate degli anni Sessanta nel resort Kellerman. Dirty Dancing, the Classic Story on Stage ha la capacità di conquistare e coinvolgere non solo gli habitué dei musical, ma ha la capacità di avvicinare al teatro una nuova ed eterogenea parte di pubblico, impaziente di assistere “dal vivo” alla storia tra Johnny e Baby raccontata da musiche e coreografie indimenticabili, fedelmente riprese dalla versione cinematografica. Spiccano nel cast Sara Santostasi una credibilissima Baby che incarna la ragazza idealista e piena di sogni alle prese con il suo primo vero amore e Giuseppe Verzicco, nei panni di Johnny, che dà al personaggio un’immagine più romantica e non stereotipata. Bravo Simone Pieroni nel ruolo del padre di Baby e ottima la ballerina Federica Capra, flessibile come un giunco. Bravi i ballerini e belli anche i costumi. Passiamo assieme a questi artisti – veri pezzi da novanta – due ore godibilissime e piene di pathos scenico.

L’allestimento celebra i trent’anni del film e si avvale della regia di Federico Bellone, con la supervisione della stessa Eleanor Bergstein.

Il musical è, tra l’altro, un grande orgoglio italiano, dal momento che è stato l’unico titolo anglosassone il cui allestimento è stato esportato in tutto il mondo,  West End di Londra compreso. Questa versione dello spettacolo è reduce da successi in Inghilterra, Germania, Spagna, Austria, Monte Carlo, Messico, Belgio, Lussemburgo, e presto Francia, ed è fedele alla pellicola del 1986 da cui ha origine.

Notevole la colonna sonora che culmina con il brano vincitore di un Premio Oscar e di un Golden Globe  (I’ve Had) The Time of My Life. 

Uno spettacolo, in calendario al Teatro Olimpico fino al 13 maggio, che consigliamo vivamente di andare a vedere. Noi ci torneremo, perché abbiamo in serbo per voi tante sorprese…

 

Dirty Dancing arriva a Roma!

LO SPETTACOLO DEI RECORD CONCLUDE A ROMA

LA SUA PRIMA TOURNÉE ITALIANA

IN OCCASIONE DEL TRENTESIMO ANNIVERSARIO DEL FILM

Arriva a Roma il 4 maggio lo spettacolo campione d’incassi con oltre 115.000 presenze nei primi 3 mesidi rappresentazione. Per il pubblico la versione teatrale è oramai, come succede per il film, un classico da vedere e rivedere per vivere ogni volta tutte le emozioni e la magia di una storia senza tempo.

Quando nel 1987 l’autrice Eleanor Bergstein scrisse la storia di “Dirty Dancing – Balli Proibiti” non si sarebbe mai immaginata un tale successo. Il racconto di Baby e della sua storia d’amore con Johnny, il bel maestro di ballo, nata in una lontana estate degli anni ’60 nella scanzonata atmosfera del resort Kellerman, si è trasformato in un vero e proprio cult senza tempo a livello cinematografico e teatrale.

Dirty Dancing, the Classic Story on Stage” ha la capacità di conquistare e coinvolgere non solo gli habitué del genere, ma di avvicinare al teatro tutta una nuova ed eterogenea parte di pubblico, impaziente di assistere “dal vivo” alla storia d’amore tra Johnny e Baby raccontata da musiche e coreografie indimenticabili, fedelmente riprese dalla versione cinematografica.

Lo speciale allestimento per i 30 anni del film è firmato dal regista Federico Bellone, con la supervisione di Eleanor Bergstein, autrice del film e dello spettacolo teatrale, nella fase di scelta del cast.

“Dirty Dancing” rappresenta uno dei pochi spettacoli in grado di portare davanti al sipario persone che non ci sono mai state, ed è l’unico titolo anglosassone in assoluto il cui allestimento italiano è stato esportato in tutto il mondo, compreso il celeberrimo West End di Londra. Questa versione dello spettacolo, reduce da successi in Inghilterra, Germania, Spagna, Austria, Monte Carlo, Messico, Belgio, Lussemburgo, e presto Francia, è fedele e rispettosa della pellicola del 1986 da cui ha origine.

Anche in questa nuova versione la colonna sonora comprenderà, oltre all’iconico brano vincitore di un Premio Oscar e di un Golden Globe  – “(I’ve Had) The Time Of My Life” -, hit indimenticabili come “Hungry Eyes”, “Do You Love Me?”, “Hey! Baby” e “In the Still of the Night”.  Dirty Dancing è un titolo da record: un successo planetario al cinema, un Golden Globe e un Oscar per il brano “(I’ve Had) The Time of My Life”, oltre 40 milioni di copie della colonna sonora vendute e, solo negli Stati Uniti, oltre 11 milioni di dvd e Blu-ray. A teatro, in paesi di consolidata tradizione di spettacoli musicali come Inghilterra e Germania, ha ottenuto i più alti incassi nella storia del teatro europeo.

Nel cast: Sara Santostasi (FRANCES “BABY” HOUSEMAN), Giuseppe Verzicco (JOHNNY CASTLE), Simone Pieroni (DR. JAKE HOUSEMAN), Federica Capra  (PENNY JOHNSON), Mimmo Chianese (MAX KELLERMAN), Claudia Cecchini (LISA HOUSEMAN), Rodolfo Ciulla (NEIL KELLERMAN), Samuele Cavallo (BILLY KOSTECKI), Renato Cortesi (MR. SCHUMACHER), Russell Russell (TITO SUAREZ).

Date tour: 4-13 Maggio 2018

Teatro Olimpico Piazza Gentile da Fabriano, 17
Botteghino: da lunedì a domenica dalle 10:00 alle 19:00
Tel_ 06 3265991

http://www.dirtydancingitalia.it/

Ufficio stampa: Madia Mauro madia.mauro@gmail.com

Tom Riley. I miei demoni leonardeschi

 

L’attore britannico Tom Riley racconta del suo ruolo nella serie televisiva Da Vinci’s Demonsin cui interpreta il giovane – e insospettabilmente sexy – Leonardo da Vinci.

Nato a Maidstone – nella regione del Kent in Inghilterra – il 5 aprile del 1981, Tom Riley è un attore versatile e camaleontico. Si è dedicato alla recitazione fin dall’età di quattro anni, nel periodo scolastico aveva già scritto e diretto alcune opere teatrali. Dopo la laurea in letteratura inglese a Birmingham nel 2002 si è specializzato in recitazione alla London Academy of Music and Dramatic Art. Ha recitato poi in film come Happy Ever Afters (Indovina chi sposa Sally,2009), per la regia di Stephen Burke, ed ha anche partecipato a importanti produzioni televisive soprattutto britanniche (Miss Marple, Poirot, Doctor Who, per citarne alcune).

In Italia Tom è conosciuto per il ruolo di Leonardo da Vinci nella serie britannico-statunitenseDa Vinci’s Demons, scritta e ideata da David S. Goyer, già autore di Batman BeginsIl Cavaliere Oscuro. Trasmessa sul canale Starz dalla primavera del 2013 la serie si è da poco conclusa. Ne sono state fate solo tre stagioni e i fan di tutto il mondo chiedono a gran voce che riprendano i lavori per un’eventuale quarta serie. Tom appare piuttosto scettico riguardo alla possibilità che vi sia un prosieguo, ma è commosso per l’affetto che i fan hanno dimostrato fin dalla prima puntata.

La serie ha per protagonista il genio del Rinascimento italiano, Leonardo da Vinci, e segue la sua vita, romanzando fantasiosamente su eventi della sua gioventù, che sarebbero rimasti ignoti fino ai giorni nostri.

Il casting era cominciato già nel gennaio del 2012, quando Tom Riley venne selezionato tra molti attori per la sua impressionante somiglianza con il genio rinascimentale. Per sceglierlo, pare che si siano basati sul famoso autoritratto leonardesco, ovvero il disegno a sanguigna su carta, databile 1515 circa, e conservato nella Biblioteca Reale di Torino. Sembra che i produttori abbiano chiesto ai loro grafici un ringiovanimento dell’autoritratto torinese e che ne sia uscito un uomo molto somigliante all’attore inglese. Insomma, un’operazione fatta con tutti i crismi. Tra gli altri attori figurano anche Laura Haddock, che interpreta Lucrezia Donati – amante ufficiale di Lorenzo il Magnifico, che si concede più di una scappatella con il nostro Leonardo – e Lara Pulver, la bellissima Clarice Orsini, moglie di Lorenzo. Grande intesa sul set tra Riley e Gregg Chillin, interprete del fedele amico Zoroastro. Notevole anche la colonna sonora, composta da Bear McCreary, autore delle colonne sonore per le serie televisive Battlestar Galacticae The Walking Dead.

“Il mio Leonardo da Vinci”, dice Tom Riley, “è un personaggio moderno, insolente ma brillante. È un artista, un inventore, uno spadaccino, un amante focoso e un inguaribile idealista che ha una gran voglia di imparare e di scoprire il mondo”. A fargli da guida è un personaggio enigmatico, chiamato il Turco, che gli rivela l’esistenza di un misterioso testo esoterico, il “Libro delle Lamine”, che potrebbe condurlo a ritrovare la madre, Caterina oltre l’Atlantico.

Tom ammette di aver voluto dare al suo Leonardo un pizzico di spavalderia, pur sapendo che poteva essere criticato. L’idea, continua, era di far capire al pubblico che Leonardo era un genio, sì, ma “figo”, al quale non importava nulla delle convenzioni perché sapeva il fatto suo. Il mix che ne esce è una sorta di genio-sexy-ninja, poco fedele alla nostra idea di Leonardo. Gli storici dell’arte avrebbero arricciato i nasi e di questo Tom ne era ben consapevole quando aveva letto il copione. Tuttavia, secondo lui, la potenza del genio rinascimentale avrebbe messo tutto in secondo piano.

“Desidero ringraziare tutti i fan della serie tv, senza di loro, senza il loro supporto, tutto questo non sarebbe stato possibile. Siete meravigliosi, è un onore avervi come parte integrante della storia di Da Vinci’s Demons”, dice sorridendo. E ha ragione: la serie è stata un vero successo che rende incomprensibile la sua cancellazione.

Da Vinci’s Demonsè una serie fatta molto bene dal punto di vista tecnico e la si deve vedere sotto l’ottica non di una serie storica, assicura Riley, ma di una sorta di possibile alternativa alla storia ufficiale. Solo così si può arrivare ad amarla.

Leonardo seduttore, poi, a noi italiani fa pensare che se lo siano inventato di sana pianta per fare audience tra i giovani che amano Assassin’s Creede Game of Thornes: le abitudini sessuali dell’artista sono poco note e ci dicono più che altro che avesse tendenze omosessuali. I produttori, Goyer e lo stesso Riley scrollano le spalle: è evidente per loro quanto Leonardo amasse la vita e il sesso. E se lo dicono loro…

 

 

Fenomeno Steve Balsamo

Jesus Christ Superstar, il musical di Andrew Lloyd Webber e Tim Rice, è uno dei capolavori assoluti nella storia della musica rock. Gli artisti che si sono avvicendati nelle svariate versioni dell’opera si sono sempre distinti per il livello altissimo delle loro performance. Steve Balsamo è stato uno degli interpreti più significativi e convincenti di Jesus Christ Superstar e ha vestito i panni di Gesù nella produzione del West End londinese dal 1996. È dotato di una voce straordinaria capace di commuovere chiunque lo senta cantare “Gethsemane”, l’accorato appello di un Figlio che chiede al Padre di allontanare da lui l’amaro calice ma che alla fine si arrenderà alla Volontà paterna.

Nato a Swansea da madre gallese e padre veneziano, lo chef Luciano Balsamo, Steve è un artista a trecentosessanta gradi che ha saputo coniugare le sue eccellenti doti canore con un’impressionate capacità interpretativa. Dopo il successo ottenuto con Superstar, è stato protagonista di diverse produzioni teatrali, tra le quali Poe, Notre Dame de Paris e Les Misérables per poi dedicarsi interamente al suo personale percorso creativo, sia come solista, sia duettando con altri artisti.

Abbiamo chiesto a Steve Balsamo cosa ricorda e cosa gli è rimasto della sua esperienza teatrale e com’è stato confrontarsi con un musical come Jesus Christ Superstar.

È risaputo che hai interpretato il ruolo di Gesù per diversi anni e che la stampa inglese scrisse di te: “The Son of God is Welsh” (Il Figlio di Dio viene dal Galles). Qual è il ricordo più felice che hai di quella straordinaria esperienza?

balsamo 3Il ricordo più vivo che ho riguarda il momento in cui sono stato scelto per interpretare Gesù. Mi dissero che c’era un’audizione per una nuova versione di Jesus Christ Superstar. Avevo già cantato “Gethsemane” e così la cantai per Jonathan Greatorex e Jonathan be’… cominciò a piangere. Chiamò subito David Grindrod, il direttore del casting di Andrew Lloyd Webber. Non mi resi subito conto di quello che stava succedendo, sta di fatto che andai a Londra e cantai per David Grindrod e anche lui si commosse per la mia performance, ma in quell’occasione mi disse solo: “Okay”. Aveva selezionato centinaia e centinaia di cantanti prima di assegnare la parte a me. Il ricordo che sempre mi porterò dietro è il momento in cui eravamo rimasti solo in due: io e Zubin Varla, noto per aver interpretato Romeo in Romeo and Juliet al National Theatre di Londra. Ci hanno fatti salire sul palcoscenico per l’ultima audizione. Abbiamo entrambi cantato e poi Andrew Lloyd Webber mi ha afferrato per il colletto e mi ha detto che la parte era mia! Un momento fantastico! Forse il momento più bello dopo la lunga attesa e dopo le dure selezioni. Ma ho tanti ricordi piacevoli di quell’esperienza, ho molto amato Jesus Christ Superstar. C’è tutto in quel musical: amore e ispirazione uniti da un forte impulso creativo.

Abbiamo chiesto ai nostri lettori quale cantante ha interpretato al meglio il brano “Gethsemane” e la maggior parte di loro ha indicato te come uno dei migliori. Come commenti questo dato? (guarda il video)

Fantastico! Ne sono molto lusingato. Quando ho interpretato io il ruolo di Gesù, ho ascoltato gli artisti che mi avevano preceduto. Sono stati tutti interpreti straordinari, e io ho “rubato” un po’ da ognuno di loro: Ian Gillian, Ted Neeley, Paul Nicholas, Johnny Farnham. Tuttavia, per la parte recitativa, per essere cioè convincente soprattutto nel momento culminante del musical, ho studiato la performance di Michael Crawford che ha cantato “Gethsemane” durante la Royal Variety Performance (è uno show annuale in cui si esibiscono i migliori cantanti e attori per la Royal Family). Crowford cantò per loro agli inizi degli anni ’90. Quando vidi la sua interpretazione piansi. Mi diede letteralmente i brividi mentre lo guardavo rapito. Una cosa in particolare mi colpì: mentre cantava, Crawford a un certo punto diede le spalle al pubblico… un momento di fortissima tensione emotiva, irripetibile. Ho amato il suo modo di vestire i panni di Cristo e cerco di emulare la sua “versione” ogni volta che canto “Gethsemane”. Così ho in teoria rubato tutto da quella performance, fingendo che fosse tutta farina del mio sacco! Ringrazio però i vostri lettori, che probabilmente hanno visto la mia performance all’auditorium di Rotterdam. Un’esperienza straordinaria, devo dire: ero circondato da milioni di persone. Sono arrivato da solo sul palco ed ero quasi terrorizzato, fino al momento in cui ho cominciato a cantare. Avevo la pelle d’oca, ma è stato fantastico, tutto sembrava convergere in un insieme perfetto e armonico. L’unica cosa che rimpiango è che non si registrò mai l’intero show. Un vero peccato non avere un ricordo tangibile di quello spettacolo!

Cosa ti è rimasto ancora oggi del ruolo di Gesù?

Molte cose. Tuttavia ciò che maggiormente mi è rimasto è la forte sensazione che la vita non finisca qui, che dopo vi sia qualcos’altro e che la nostra esistenza non si limiti a quella terrena. Per quanto mi riguarda, io non seguo alcuna religione tuttavia, quando sono stato scelto per il musical di Andrew Lloyd Webber, mi sono informato, ho letto tantissimo su Gesù e ancora oggi ricordo che la sensazione anche allora era la stessa: la vita non finisce qui. Durante ogni mia performance nel musical accadevano cose molto strane, ma nel senso positivo e quasi esoterico. Anche se, ripeto, ciò che più mi è rimasto è proprio quella sensazione, forse per le molte coincidenze che mi mostravano la possibilità di una vita oltre la morte. Sensazioni che ancora oggi avverto in modo netto e che rimarranno per sempre con me. La realtà non è quella che immaginiamo, insomma. Ho cercato a lungo una spiegazione, ma sono giunto alla conclusione che sebbene il musical sia stato scritto negli anni ’70, c’erano e ci sono momenti in cui si tocca la verità storica: Gesù era un ribelle, un uomo fuori dal comune e noi, credo, lo conosciamo solo in una minima parte.

È risaputo che tuo padre, Luciano Balsamo, è italiano. Cosa ti piace di più dell’Italia? Ci vieni spesso?

Certo, ci vengo molto spesso! Nonostante ci provi, non parlo italiano e me ne vergogno un po’. Ma amo l’Italia. Amo la cultura italiana, l’arte, la musica e il cibo: mio padre è uno chef e mi ha insegnato a cucinare e ad amare il cibo, soprattutto italiano. Credo che gli italiani siano circondati dalla bellezza. Quando penso all’Italia penso automaticamente alla bella gente, ai begli abiti, alle opere d’arte. In poche parole: amo l’Italia! Sono stato in diverse zone del Sud: Bari, Salerno, Napoli, ma quando torno a Venezia per me è come tornare a casa. Ci vado spesso anche perché io, mio padre e i miei due fratelli abbiamo un piccolo appartamento a Mestre. L’Italia, Venezia in particolare, è un luogo magico, stupendo che mi commuove sempre.

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Quali sono I tuoi progetti per il futuro? Possiamo sperare di vederti qui in Italia, magari per un tour?

Il futuro? Bella domanda! Dunque, per quanto riguarda la carriera musicale: tra un po’, come dicevo prima, uscirà il mio nuovo album. Sto lavorando a una canzone con una giovane cantante e sto scrivendo un musical per bambini. Ho una serie di concerti a fine luglio… insomma, tanti progetti musicali.