Amore a prima svista

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Hal, interpretato da Jack Black, fa la conoscenza di un guru che lo ipnotizza con lo scopo di aiutarlo a scoprire quanto di bello ci sia in una donna meno attraente. Quando Hal incontra Rosemary, interpretata da Gwyneth Paltrow, una donna in sovrappeso e riservata, il miracolo si compie: in lei vede una donna perfetta e bellissima. Ma l’amico superficiale di Hal, Mauricio, lo risveglia dall’ipnosi, e Hal si ritrova davanti alla vera mole di Rosemary…

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Per quanto questo sia un film dalla vena comica lascia un messaggio davvero importante: Hal, nonostante sia sotto una sorta di “incantesimo”, comincia davvero a essere una persona diversa e non solo grazie a Rosemary, ma anche agli amici e ai pazienti della clinica dove lei lavora. La sua visione delle cose, ma soprattutto delle persone, viene distorta in positivo anche nei confronti di altri: vede una piccola paziente diversa da ciò che è, la apprezza per la sua saggezza e la sua forza nel non sentirsi diversa, e lo stesso con il collega di Rosemary. Non capisce lì per lì come delle persone così incredibilmente belle e perfette possano avere anche un cuore così grande: lui, superficiale e insensibile come sempre è stato prima di incontrare queste persone e prima di vederle una seconda volta con i propri occhi, con il proprio modo di essere, e capire finalmente quanto in realtà prima fosse tutto sbagliato.

Consiglio questo film del 2001 per il messaggio che trasmette che riguarda la “diversità” e per la pellicola davvero divertente, emozionale e originale.

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Book Club – Tutto può succedere

È stato il film più visto nel weekend appena passato e si stima che continuerà a mantenere il suo primo posto sul podio anche nel prossimo fine settimana. Stiamo parlando del film Book Club – Tutto può succedere un film diretto da Bill Holderman. Un film con Diane Keaton, Jane Fonda, Candice Bergen, Mary Steenburgen, Craig T. Nelson, Andy Garcia e Don Johnson. Uscito nelle sale italiane il 4 aprile 2019 Book Club è un film godibilissimo che cattura fin da subito gli spettatori di ogni età. 104 minuti di battute intelligenti e di spunti di riflessione che ci offrono uno spaccato interessante sulla cosiddetta “terza età”.

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Au bout de la rue: cosa c’è in fondo alla strada?

È uscito a febbraio di tre anni fa il cortometraggio Au bout de la rue del regista francese Maxime Gaudet; un piano-sequenza notturno, in cui si segue il rientro a casa di una ragazza che, dopo aver salutato i suoi amici, percorre un paio di isolati fino a giungere al suo appartamento. E fin qui, tutto bene. O forse no? Cosa si nasconde in fondo alla strada? La tensione della giovane è palpabile mentre attraversa le vie poco illuminate di una città (che potrebbe essere una qualsiasi metropoli occidentale). Dietro l’angolo si potrebbe celare un pericolo senza nome né volto pronto però a risucchiarla. Continua a leggere

The Oscar’s Night: tutto quello che non sapevamo

È il tappeto rosso più ambito dell’anno, c’è solo chi conta, tutti vogliono la statuetta dorata, ma pochi se la portano a casa.

Ma siamo sicuri di sapere tutto, ma proprio tutto della notte degli Oscar?

Forse queste venti cose vi mancavano:

  1. La statuetta: è alta 35 centimetri e pesa 3 chili e mezzo, ma non è d’oro. No. È di bronzo laccata in oro e il suo valore “commerciale” si aggira sui 300 dollari. Inoltre sulla statuetta l’etichetta con il nome del vincitore viene attaccata dopo l’annuncio, questo vuol dire che per ogni categoria ci sono etichette con tutti i nomi dei candidati, questo per garantire l’assoluta neutralità del voto.
  2. Budget: la cerimonia degli Oscar ha un costo che si aggira sui 44 milioni di dollari.
  3. L’annuncio: “And the winner is…” è la formula più conosciuta per annunciare il vincitore, ma in realtà è stata abbandonata. Dal 1989 si usa “And the Oscar goes to…”, pare per non far sentire troppo perdente che non vince.
  4. Goodie bags: se dovessimo usare uno sponsor da luna-park, si potrebbe dire che “Agli Oscar si vince sempre”. Infatti, a tutti i candidati nelle categorie di concorso viene donata una borsa di cortesia dal valore di 100.000 dollari contenente voucher per vacanze extralusso (nel 2018 c’era un viaggio di 12 notti in Tanzania del valore di 5’800 dollari a persona), ville in affitto, week-end in super spa, trattamenti beauty esclusivi e gioielli. Niente male come premio di consolazione, no?
  5. Rinfresco: non vorremo fare morire di fame e di sete le star?! 1400 è il numero delle bottiglie di champagne stappato alla serata 2018; 13,6 i chili di oro commestibile servito alla cena di gala; 800 le aragoste cucinate, 30 salmoni interi; 6000 le statuette di cioccolato a forma di Oscar per dessert. Che dire, una cena niente male!
  6. Organizzazione: gli Oscar sono un evento così mastodontico che per organizzarlo si inizia… dal giorno dopo. Esatto! Gli organizzatori inizieranno a pianificare la serata degli Oscar 2020 a partire dal 25 febbraio 2019. Nessuno ha mai detto che sarebbe stato facile, bellezza!
  7. Tempismo: se vuoi che il tuo film venga preso in considerazione dalla giuria degli Oscar, non potrai farlo uscire nelle sale cinematografiche a caso. C’è un periodo dell’anno preciso in cui i titoli che ambiscono a una nomination, vengono mandati in proiezione nei cinema: tra il Ringraziamento (fine di novembre) e Natale. Un film che esce troppo presto, rischia di farsi dimenticare dalla critica, troppo tardi, invece, rischia di trovare tutto esaurito.
  8. Ospiti: il Kodak Theatre che fa da venuealla cerimonia può ospitare fino a 3300 persone
  9. Giuria: è composta da oltre 7000 membri facenti parte di ogni categoria professionale del mondo dello spettacolo. Dopo l’annuncio delle nomination, i giurati hanno 7 giorni (quest’anno dal 12 al 19 febbraio) per votare i loro favoriti.
  10. Pubblicità: gli spazi pubblicitari durante la notte degli Oscar costano anche più di quelli del Superbowl. Se un’azienda vuole promuovere il suo prodotto con una pubblicità di 30 secondi durante gli Oscar, il prezzo ammonta a 2,6 milioni di dollari.
  11. Vestiti: l’abito più costoso indossato nella storia degli Oscar appartiene a Grace Kelly. Nel 1955 ha calcato il red carpetfasciata in un abito di seta color menta disegnato dalla mitica Edith Head che al tempo costò 4000 dollari. Oggi corrisponderebbe a circa 35000 dollari in valuta corrente.
  12. Benefit: per gli attori vincitori di un Oscar gli agenti chiedono alle produzioni cinematografiche di aumentare il loro compenso del 20% rispetto i film precedenti. Avere un attore premio Oscar nel cast è un vanto ma anche un costo.
  13. I riempisedia: guardando lo show si deve avere l’impressione che il teatro sia sempre pieno, quindi gli organizzatori, per evitare di inquadrare una sala sguarnita a causa di alcune celebrity ritardatarie, o che sono scappate in bagno o al bar, hanno dei riempisedia appositi (circa 300). Persone sconosciute, che non hanno nulla a che fare con gli Oscar, vestite e pettinate come superstar che hanno il compito di tenere occupate le poltrone in attesa che il legittimo proprietario prenda posto.
  14. Il bar: è a pagamento. Anche le superstar devono pagarsi da bere se vogliono un bicchiere di Martini. Il costo di un cocktail al bar del Kodak Theatre si aggira sui 14 dollari.
  15. I bagni: per essere sicuri che nessuno si perda una sillaba della serata, l’audio della premiazione si sente anche in bagno.
  16. I ringraziamenti: quando un attore vince la statuetta, segue il discorso di rito in cui ringrazia tutti quelli che lo hanno supportato. Questo discorso può sembrare lungo (soprattutto a chi non a vinto), ma in realtà hanno meno di un minuto a disposizione.
  17. La Green Room: una volta presa la propria statuetta e ringraziato Dio per la vittoria, il vincitore non se ne torna al posto. Viene scortato al Loews Hotel dove gli vengono scattate le foto ufficiali per la stampa, risponde alle interviste e poi finisce di seguire la cerimonia nella green room: un lounge esclusivo per i vincitori, che si godono l’evento coccolati con tutti gli onori in questo salotto lussuosissimo stile chalet di montagna, sponsorizzato dalla Rolex.
  18. Foto: agli Oscar sono presenti fino a 1000 operatori del settore fotografico per stare sicuri di coprire tutta la serata. Infatti vengono scattate più di 80.000 foto!
  19. After-party: molti degli ospiti, per il dopo-gala, sfoggiano un secondo outfit, più pratico e comodo.
  20. Lacrime: vincere un Oscar come migliore attrice protagonista, specie se in nomination c’è anche Meryl Streep, non è roba da tutti i giorni, ma Gwyneth Paltrow, nel 1999 è passata alla storia. Non solo per il suo magnifico abito rosa Ralph Lauren, ma anche per il crollo nervoso che l’ha ridotta in lacrime e singhiozzi al punto che del suo discorso di ringraziamento si è capito poco… o niente.

Sulla soglia dell’eternità

img_8203Il film si colloca senz’altro nel genere biopic, ma con una cifra che lo distingue. La storia è pensata e il film girato e montato dal punto di vista di Van Gogh, con l’evidente e realizzato intento di mettere lo spettatore nella condizione d’immedesimarsi nel protagonista. Julian Schnabel prima che regista e sceneggiatore, è un pittore “espressionista d’oggi”, come lo definisce il critico Philippe Daverio. Di sé Schnabel ha detto: “Mi nutro di dissidi e contraddizioni. E’ dalla tensione dicotomica tra opposti che nasce l’equilibrio. Quando creo, mi abbandono all’intuito, mi lascio trascinare dalla forza di ciò che non posso comprendere. È una sottomissione, volontaria e prolifica, a forze invincibili e imperscrutabili. Allo stesso tempo, rincorro con esasperazione la novità e raccolgo, in modo inesausto, oggetti e materiali. Non posso rinunciare alla figurazione. Né all’astrazione. Se aderissi a un unico linguaggio mi sentirei imprigionato in una dimensione asfittica e stagnante.”(https://www.stilearte.it/julius-schabel-le-tele-immense-del-pittore-regista/). Sembra di sentire Van Gogh! “Perché devi dipingere sempre la natura?” domanda Gauguin nel film e lui: “Mi sento perso se non ho qualcosa da osservare!” Quanto questa sia risposta di Van Gogh o piuttosto del pittore-regista Schnabel poco importa. E’ chiara l’empatica immedesimazione tra regista e protagonista della storia. Un transfert che il regista fa di tutto per consentirlo anche allo spettatore, perciò gira molte scene usando la macchina da presa come fosse l’occhio del protagonista e, siccome è lui a girare, è anche l’occhio del regista.

Tutte le scene girate con questa prospettiva sono restituite sullo schermo sfocate nella parte bassa (eccellente la fotografia): l’immagine complessiva diventa così l’esplicitazione della lotta interiore sempre in atto nell’artistatra ciò che vede e ciò che sente nel guardare, tra l’immagine che la mente gli costruisce e la figurazione verso cui emozioni e spirito lo spingono. All’inizio del film mi sono sentito infastidito da quelle immagini e mi sono ritrovato a tentare di mettere a fuoco. Per fortuna ho preso presto consapevolezza del mio fastidio e me ne sono domandato, concludendoappunto che Schnabel ha cercato di rivivere e far rivivere anche allo spettatore quella lotta interiore, lo sforzo titanico che bisogna compiere per mettere a fuoco la realtà materiale col proprio sentire. E all’inizio sempre tutto appare nebuloso, come nelle immagini, perché la mente… mente. Van Gogh e Schnabel non si accontentano di ciò che la mente gli propone, cercando e sforzandosi fino allo spasimo d’andare oltre e, col loro sentire, dentro le cose. Le loro opere divengono il magnifico risultato di questa ricerca. Una ricerca che fece passare per folle Van Gogh, non più ovviamente Schnabel grazie a Van Gogh! Ma, in realtà, questi era folle (e Schnabel sarebbe folle) esattamente quanto era acerba l’uva della volpe di Esopo. Infatti non lo era, ma tutti (la volpe) ritenevano che lo fosse. Il motivo è semplice, ce lo dice Van Gogh all’inizio del film con la sua voce fuori campo e a schermo nero: “Ciò che voglio è essere uno di loro!”, più o meno queste sono le sue parole. Ed è quello che ciascuno di noi nella sua vita vuole e cerca: essere accettato. Perciò poi ci sembra folle chi percorre a piedi e in solitudine, quasi perso, chilometri nella campagna con sulle spalle il peso degli strumenti per dipingere, alla ricerca di non sapeva neppure lui cosa, ma che ogni volta trovava e ne era felice. Cosi com’era felice di tradurre sulla tela la sua figurazione e offrirla al mondo. Una felicità che avrebbe potuto condividere con ibambini se solo la maestra fosse stata in grado di sciogliere le reciproche paure invece di aizzarglieli contro, con la prevedibile conseguenza di aizzargli contro poi l’intero villaggio. Quel pittore è un folle! Così tutto va a posto: la comunità è salva, l’accettazione reciproca conservata, salvo il costante venticello del pettegolezzo che tutto tiene sotto controllo, immobile, frenato, ripetitivo, senza evoluzione. Il dramma del diverso non importa a nessuno, anzi è quasi sempre socialmente e individualmente affrancante.img_8204

 

Per fortuna ci sono stati e ci sono uomini e donne che hanno avuto e hanno il coraggio d’andare contro la corrente del farsi accettare a tutti i costi, fatta di senso comune, e di immergersi invece nella corrente dello spirito, indomito e sempre vivo. Tutti coloro che questo coraggio hanno avuto sono stati anche pienamente consapevoli della condizione umana. È ciò che il regista ci dice con l’accettazione e la proposizione dell’ipotesi dell’omicidio di Van Gogh invece del suicidio. Se solo per un attimo accettassimo l’ipotesi, potremmo anche comprenderne il senso e quanto il comportamento “omertoso” sia stato coerente ed in linea con la vita e le profonde convinzioni della vittima. Van Gogh aveva una profonda religiosità tutta rivolta al sociale. Sembrava quella all’inizio la sua vocazione; ma la strada gli fu preclusa dal suo modo di vivere sempre “eccessivo”. Non venne, infatti, confermato nell’incarico di predicatore nella regione mineraria belga del Borinage perché “aveva preso troppo alla lettera il modello evangelico”; ma nel frattempo aveva realizzato ‘I mangiatori di patate’ di cui andava molto fiero! Ebbene, come avrebbe potuto mai una persona tanto invisa a se stessa da annichilirsi e perciò essere allontanata da un incarico che pure aveva cercato, un artista che per tutta la sua vita è stato, in diverso modi, sempre alla costante ricerca di Dio, nelle persone prima e nella Natura poi, come avrebbe mai potuto denunciare dei ragazzi sapendo che avrebbe rovinato loro la vita? Certo nessuno gliel’avrebbe rimproverato, salvo poi vedere se gli avrebbero creduto; altrettanto certo è che non l’ha fatto. Il film narra solo gli ultimi due anni della tormentata vita di Van Gogh, ma chiarisce tutto il suo mondo interiore; spiega come la sua ricerca di Dio nella Natura lo abbia portato a cambiare l’uso dei colori fin lì conosciuto e adoperato e adutilizzare un modo di dipingere assolutamente nuovo. E sinceramente, dopo aver visto il film, non riuscirei adimmaginare altri che William Defoe come suo eccellente interprete. Di lui mi ha colpito un particolare. Paulus van Görlitz, coinquilino di Van Gogh a Dordrecht, scrisse che “Un giorno – ci conoscevamo da un mese – mi pregò, sempre col suo sorriso irresistibile…”. Ecco, il sorriso irresistibile, questo mi ha colpito: William Defoe evidentemente ce l’ha di suo, perché lo ha sfoggiato per tutto il film. Cruda, passionale, viscerale e poetica è, come il protagonista, la narrazione della storia di una lotta costante tra limiti umani e fuoco interiore, ch’è poi il dramma della condizione umana. Che quel genio fosse pienamente e lucidamente consapevole di questa lotta è evidente nel dialogo tra lui e il prete che gli fa visita per decidere se dovesse o meno rimanere in asilo psichiatrico. E lì Van Gogh sfoggia tutta la sua lucidità, la sua logica disarmante, la sua consapevolezza, quella consapevolezza che, se non tradita, colloca senz’altro “At Eternity’s Gate”. Film imperdibile. Ancora una volta Grazie! al Cinema Lovaglio di Venosa.

Francesco Topi

The Mule – Il corriere

The Mule e Clint Eastwood non tradiscono le aspettative. Il monumentale e inarrestabile Clint Eastwood chiama a sé un cast degno di nota: Bradley Cooper, Dianne Wiest, Laurence Fishburner, Andy García e Alison Eastwood (figlia di Clint).

L’attore e regista ci presenta un film amaro, riflessivo, per certi versi commovente e con un finale sorprendente, basato su una storia realmente accaduta.

Il protagonista è un uomo anziano che dalla vita ha preso senza dare; forse proprio a causa della sua età, inizia a riflettere sul ruolo che ha avuto nella famiglia, venendo alla conclusione che è stato un pessimo marito e marito. Quando gli viene pignorata la casa e la sua famiglia non lo vuole più vedere capisce che deve fare qualcosa per ripagare gli anni di mancanze verso i suoi cari. Se da prima non comprende appieno che quello che gli viene chiesto è fare il corriere per il cartello messicano, successivamente alla vista di tanti bei dollaroni ci prende gusto, ma non tanto per se stesso quanto per aiutare gli amici e parenti. Sulle sue tracce c’è la Dea con il bellissimo Bradley Cooper che ha un ruolo più marginale, ma riesce lo stesso a bucare lo schermo.

Il film si snoda tra i bellissimi panorami americani, le battute sarcastiche del protagonista, le riflessioni sulla vita, sulle occasioni mancate, i rimpianti e le corse per le consegne. Con i suoi inconfondibili modi spigolosi e burberi l’attore e il film provocano un’amara constatazione sul tempo che dedichiamo a chi amiamo, per meglio dire il poco tempo, e quale posto gli riserviamo nella nostra personale scala dei valori.

Sicuramente Clint Eastwood, nonostante la parte inusuale che ricopre in questa pellicola, è riuscito nell’intento di farsi amare ed elogiare. Un ruolo lontano dall’eroe a cui siamo abituati, ma che lo interpreta con la maestria ed eleganza che gli appartengono. L’età non ha scalfito la bravura dell’attore e nemmeno del regista, in un susseguirsi di stupendi film che da I ponti di Madison Country sono rimasti indelebili nei cuori degli spettatori.

Robin Hood – Le origini della leggenda

 

Come dice la voce narrante “dimenticatevi la storia” . Ed è effettivamente quello che succede guardando questo film ambientato nel Medioevo, ma con toni che ci riportano con prepotenza alla realtà odierna. 

 La pellicola ci mostra un’Inghilterra affamata, in guerra al fianco della Chiesa durante le Crociate, e ci fa conoscere un annoiato Lord Robin di Loxley. La partenza, contro voglia, per la guerra in quelle terre lontane, lo allontanerà dall’amore appena trovato e dalle sue ricchezze. Dopo combattimenti e atti di coraggio, Robin farà ritorno in patria. Una volta tornato capirà l’importanza di quello che aveva e che a causa dello Sceriffo di Nottingham ha perso; dall’amore al castello e le terre. 

 Per riappropriarsi dei suoi possedimenti e cercare giustizia per il suo popolo, diventerà un abile arciere e darà battaglia ai cattivi, il tutto nascosto da una maschera. 

L’abbigliamento del novello fuorilegge ci ricorda molto quello del telefilm Arrow, soltanto di colore nero; mentre i costumi poco s’intonano all’epoca in cui viene ambientata la pellicola.

 

 È una sorta di nouvelle mode, tanto che gli abiti del “cattivo” sembrano cuciti da uno stilista e farebbero bella figura su una passerella, così come quelli della scena degli invitati al banchetto. Comunque, a mio parere, questa mescolanza non disturba ma onestamente ci allontana dal ricordo del mitico Robin Hood di Kevin Costner. 

 Marian, il personaggio femminile, è una giovane d’azione, una rivoluzionaria molto più vicina al pensiero contemporaneo che a quello di dama del tempo. Anche questo personaggio si discosta nettamente dalla bella e dolce Marian, interpreta dalla stupenda Mary Elizabeth Mastrantonio; di conseguenza non posso non paragonare il Little John interpretato, allora, dal bravissimo Nick Brimble, con quello odierno Jamie Foxx, il quale è l’unico che regge il confronto recitativo e visivo. 

 Nel complesso è un film piacevole per una serata piovosa, in cui ritroviamo tutti i personaggi, modernizzati, della leggenda. A chi piace l’azione, il complotto, la voglia di giustizia, l’amore ritrovato e i personaggi decisamente carini può gustarsi questa pellicola. 

Non ci resta che il crimine

Non ci resta che il crimine (Regia di Massimiliano Bruno).

La commedia italiana più pura e bella, torna prepotentemente grazie alla magistrale regia di Massimiliano Bruno. Ennesima prova della bravura del regista romano che dietro e davanti alla cinepresa, dirige e confeziona una storia surreale quanto spassosa. Un cast sublime capitanato proprio da Massimiliano Bruno con Marco Giallini, Alessandro Gassman e Gianmarco Tognazzi, Eduardo Leo e la fantastica Ileana Pastorelli; il pubblico sta letteralmente riempendo le sale cinematografiche: un film da ridere e rivedere.

La trama. Roma ai nostri giorni: tre amici, Moreno, Giuseppe e Sebastiano, s’improvvisano guide turistiche per tentare di “fare i soldi co’ la pala”, cercando di far conoscere la storia della Città Eterna sotto l’ombra della banda della Magliana. Ma il destino di voler far rivivere le sanguinose gesta della famosa banda criminale che insanguinò la capitale negli anni ’80, li catapulterà proprio in quei giorni con un salto spazio temporale. Trovarsi il boss De Pedis in carne e ossa davanti, non è una situazione facile da gestire e controllare, figuratevi se poi ad avere questa “fortuna” sono tre sprovveduti che non hanno ancora capito che forse tornare indietro nel tempo, potrà aiutarli solo ad apprezzare il presente e a lottare per tornare alla vera realtà.

Mille disavventure, una cascata di scene comiche, battute esemplari e la bravura dell’intero cast, rendono insuperabile questo film che sta sbancando i botteghini nelle ultime settimane. Devo confessare che alcune battute me le sono perse, perché ridevo troppo, e con me il resto della sala; pertanto “Non ci resta che il crimine”… non mi resta che rivederlo!

Mirtilla Amelia Malcontenta

Ben is Back

BEN IS BACK di Peter Hedges è davvero un gran bel film e ritengo che il regista possa essere orgoglioso della performace di suo figlio Lucas, nei panni di Ben, affiancato ad una Julia Roberts, nei panni della madre, e entrambi padroni del loro personaggio. Tanto che, anche grazie alla costruzione della narrazione, lo spettatore entra emotivamente nella storia odiando e amando i personaggi di volta in volta, finendo con l’identificarvisi.

Il barboncino di famiglia è secondo me il filo conduttore, l’anima della vicenda, la proiezione dell’inconscio di ciascuno dei personaggi e di Ben in particolare, l’elemento unificante. E’ l’unico membro della famiglia che è in relazione con tutti gli altri senza riserve e con Ben in particolare lo fa subito all’inizio del film, quando tutto è ancora da scoprire, offrendo così la chiave di lettura da me percepita. Il barboncino riserva a Ben l’accoglienza che ognuno dei membri della famiglia gli avrebbe tributato se ciascuno non fosse imbrigliati nelle sue paure, legittime, umane, mentali; ad eccezione dei bambini il cui comportamento è simile a quello del barboncino ma poi condizionato dalle paure degli adulti e dal dovere di obbedienza.

Secondo Jung il cane nei sogni rappresenta un legame amichevole, il compagno di vita, il Sé interiore guardiano degli istinti. Il cane cucciolo, piccolo e giocherellone rappresenta l’accettazione della parte istintiva che tanto ci spaventa.

Ma non spaventa Ben che senza alcun dubbio né incertezza si lancia al recupero del barboncino rapito intraprendendo un viaggio a ritroso (Ben is Back!) attraverso tutti i gironi infernali della sua vita. E la madre, seppur con dichiarate ragioni dettate da paure e dubbi, istintivamente impone la sua presenza in questo viaggio in cui finalmente condivide e fa suo il dolore del figlio, donandosi l’occasione di vivere una nuova gestazione, sicuramente più consapevole e piena d’amore, che come la prima finisce col dono della vita, una nuova vita ad un livello sicuramente superiore.

Tutto a causa (o grazie) al trauma del rapimento del barboncino, ovvero del tentativo della vita di sopprimere nei protagonisti l’accettazione della parte istintiva e che, invece, come sempre, finisce per attivare la catarsi di Ben, della madre, dell’interno nucleo familiare e dei loro sentimenti.

Il barboncino è, secondo me, l’anima di quella famiglia, della storia e di un film di grande spessore in cui i temi della droga, della famiglia, del rapporto genitori e figli e, perché no, del ruolo degli animali, vengono affrontati e proposti con cruda delicatezza e amorevole determinazione.

Mi prendo la libertà di ringraziare qui Lidia Lovaglio, anima dell’omonima sala di proiezione di Venosa (Potenza) che, con passione, con le sue accurate selezioni e spirito indomito, consente al pubblico della provincia del nord Basilicata di godere del Grande Cinema.

Francesco Topi

Libero di essere me stesso. Intervista a Francesco Baccini

Il musicista genovese, in un’intervista esclusiva a Pink Magazine Italia, svela alcuni segreti della sua carriera.

Cantautore di successo e grande artista, Francesco Baccini, genovese classe 1960, si riconosce immediatamente per la sua voce unica e per l’ironia che contraddistingue i testi delle sue canzoni. Un artista a tutto tondo, eclettico e dissacrante che ha saputo coniugare le sue eccezionali doti interpretative con quelle canore. Il suo repertorio variegato lo rende uno dei cantautori più interessanti del panorama musicale non solo italiano: negli anni ha alternato canzoni dalle tematiche sociali ad altre romantiche o irriverenti, pur rimanendo sempre coerente a se stesso. Ha collaborato con altri artisti come Enzo Jannacci, Fabrizio De André, Paolo Belli e Sergio Caputo, per citarne alcuni. Quest’anno il suo album d’esordio, Cartoons (vincitore del Premio Tenco), compie trent’anni. Lo abbiamo incontrato per intervistarlo e per farci svelare qualche piccola anticipazione sui progetti a cui sta lavorando ora.

Partiamo dai tuoi progetti di lavoro. A che cosa stai lavorando?

Quest’anno sono trent’anni anni dal mio primo album Cartoons, anche se a me sembra l’altro giorno. Ho diversi progetti legati al trentennale: forse un album con canzoni prese qua e là dal mio repertorio e qualche inedito. E poi c’è un’operazione cinematografia su di me, sulla mia storia, sulle mie collaborazioni e sulla mia carriera. Devo ringraziare Vincenzo Mollica, il mio primo vero talent scout, che ha fin dall’inizio creduto nella mia musica: un pezzo come Le donne di Modena, che cambia tre tempi, non è radiofonico né commerciale e invece ha fatto il disco di platino. Vincenzo mi ha sempre sostenuto.

L’ironia e la sagacia ti contraddistinguono fin dagli esordi.

I miei stessi discografici erano stupiti che vendessi così tanto. E mi portavano come esempio Iannacci che per loro non vedeva perché era ironico. Io sono stato il primo ad avere successo grazie all’ironia. Dopo di me tutti hanno venduto “ironia”. Dicevano che ero genovese e quindi dovevo essere triste. All’inizio molti credevano che fossi emiliano perché ero ironico. Assurdo, se pensi che Genova ha sfornato una scuola di comici straordinari. Nel documentario che gireremo ci saranno poi diversi contributi: da Vincenzo Mollica a Giorgio Conte, che è stato il mio primo produttore, fino a Andrea Braido che è uno dei più grandi chitarristi italiani…

Hai grandi doti interpretative oltre che canore…

Essendo eclettico riesco a passare da un registro all’altro. Durante i miei concerti si capisce bene chi sono. Sono anni che le persone vengono a sentirmi dal vivo e mi dicono che non si aspettavano fossi così multiforme e camaleontico. Il mio fil-rouge è la mia voce. È talmente mia che nemmeno gli imitatori riescono a imitarmi! È il massimo per un artista, anche se al livello di marketing è una fregatura perché sono meno “cantabile”. Io le canzoni le costruisco sulla mia voce, fatta di picchi e di sali scendi continui.

Cos’è un musicista per te?

Un artista che è tale in quanto unico. Rimane nel tempo chi ha apportato delle novità. La musica è un’arte prima di essere un prodotto, si deve partire sempre dall’arte e dallo studio. La musica non è una moda. Qualche mese fa ho incontrato dei ragazzi del liceo che ovviamente non sapevano chi fossi. Alla fine si sono venuti a fare i selfie perché erano contenti di avermi scoperto. La colpa non è loro, il problema è che non conoscono perché tendono a standardizzarli. Frank Zappa, in un’intervista, disse che una volta i discografici fumavano il sigaro, ci mettevano i soldi e non ci capivano nulla di musica ma ci lasciavano fare. Ora è diverso, non ti fanno rischiare, resti immobile se non trovi il produttore illuminato.

Come arrivi a scrivere un testo e quali sono le tue maggiori fonti di ispirazione?

Quando scrivo una canzone non penso di arrivare a questo o a quel fruitore, la scrivo per tutti. Io all’inizio della mia carriera riuscivo a prendere il Premio Tenco e a vincere il Festivalbar con lo stesso disco. Le mie canzoni non sono destinate agli intellettuali, sono comprensibili e fruibili da tutti. Hanno sempre più livelli di lettura. Di solito chi è stato ai miei concerti torna a vedermi. Tutto quello che ho fatto, l’ho fatto partendo da mie idee. E sono felice di essere libero di sbagliare. L’arte è libertà. Sono un outsider totale e in trent’anni di carriera ho seminato tantissimo… lo scorso anno ho fatto settantanove concerti, per dire.